這次展覽是畫家相隔兩年後的新作發表，包含油畫與紙上作品，並嘗試更大的尺幅，有300號作品及連作，希望呈現更為完整內容及視覺力量。作者延續對人文風景的關注，結合現實與想像的表現方式，並逐步增加對山林的描寫，以及類似遊記的空間層次。

如陳釀啟甕，滿室醇香；如出蛹彩蝶，絢爛飛揚。
畢業於台師大美術系63級，受教於廖繼春、李石樵、馬白水、陳銀輝、黃君璧、林玉山…諸大師。進入教育職場與先生黃肇基一起奉獻卅年，期間同拜師任博悟先生(入迂上人)守中齋門下受業多年，兩人相互切磋書畫，參加師生聯展數次，也辦了雙人書畫展三回。曾任職於臺北市立美術館，專責導覽翻譯四年間，對西洋美術史及展覽多所吸收嘹解。多年來在師友交流鼓勵下，其書畫基礎功夫紮實，藝術理論並加深研，為往後的藝術生命，充實豐富的養分與能量。美如個性爽朗踏實，於日常待人處事中之真誠用心言行可知，對藝術創作表現的態度亦然。此次生平首展於孟焦畫坊，觀其多數作品不同以往，風格雖一樣重視自然寫實印象的表現，但其對題材選擇、構圖造形、顏色調配、刀法筆趣、意境內涵等，皆別具心裁與特色。

「理想的虛構」— 吳東龍個展，本次展覽邀請策展人張晴文研究策劃，以文學觀點切入探討吳東龍作品關於虛構本質與意象再現的特徵。展名「理想的虛構」從義大利文學家卡爾維諾（Italo Calvino）的小說《看不見的城市》（Le città invisibili）描寫摩里安那城（Moriana）的篇章出發，以文學為喻，作家擅長以文字描繪小說中種種不曾存在的事物，在這些虛構之間，卻有著照映現實的力量，繪畫也是如此。無論是畫家的各種描繪，或者作家的文字書寫，他們所創造的種種物事，從不吝於展現一個畫面，進而一座城市，甚至是一個世界。而這些景觀的顯像，其實都只在讀者心中自行虛構完成。就吳東龍的作品內容而言，所有線條、符號，從來沒有要指涉什麼明確的事物。它們全是虛構，但觀畫者總會以個人的方式和它們建立自己的關係。對於畫者而言，它們或許是某種生命狀態的隱喻，透過嚴謹的計算與創造，看來卻很輕盈。

我的創作以生活中的空間與物件為題，透過撿拾與重組的方式，完成對於空間的填補與刻畫，構置有關空間的內在情境。畫面中的物件相連著許多情景，他們的展開從許多記憶的片段開始：經常光顧的日式料理店中，令人看得出神的圓弧圖形壁紙。從租屋處往下望去，空無一人，散落著枯葉的社區游泳池。回家時，堆置在頂樓，佈滿塵埃的舊傢俱，眼前的落地窗透進微微的光，照射著它身上鮮少使用的痕跡。在這裡，物件是構成情境的主體，被安置在其中，作為情感鋪陳的象徵，試圖延續它們在生活中的故事

鄭君殿的構圖沒有強烈的戲劇性，他也鮮少使用原色或堆疊色塊，而是以調和色呈現日常俗物耐人尋味的細節。舉凡工作室、陽明山、巴黎、或旅行途經的綠島等地的景物，都成為他作畫的題材。而在多件新作中，也可看出鄭君殿近期特別考究材質和紋理的幽微表現。如在《窗簾III》中，他以暖調色線捕捉陽光穿透布隙、在布紋上折射的各種狀態，每一吋布面因光的漸層而各有獨特美感。在創作過程中，鄭君殿時常移動畫作的位置，觀察顏料在不同角度的色澤變化，力求作品在各種觀點下能呈現不同面貌和細節。以《葉子II》為例，遠看時，同色調的枯葉與木桌和諧相映，近觀時才發現更多色調的豐富層次；交疊逸散的色線，彷彿植物纖維與天地經緯接繫，羅織出不斷延伸躍動的世界。

2015 年七月的晚上，我跟朋友們到了基隆大武崙的海邊尋找作品素材，好幾天沒有下雨，天氣相當悶熱，隨著海風飄來的水氣夾雜著沙粒，弄的我們身上濕濕黏黏的。可能因為颱風快要來的關係，岸邊的浪比預期的大很多，我們只好坐在沙灘上等著，望著濃藍的海中，那些緩慢前行並將天空打得灰白的漁船。大浪將海裡的小魚打上岸，我們忙著拯救這些垂死掙扎的小魚，將他們一隻隻撿起送回海裡，就這樣耗了好幾個小時。

植被自如母的大地中獲取養分，得以生長，竄出土壤後，四季變化或日月風雨化為考驗，襲向初萌的新芽。一顆微眇稚嫩的小樹苗如何化作似有神性的參天巨木？

闗於創造力，尤其是創作，一般人總是將其設想為「從無至有」的一種表象過程，然而對一個具有「原創」性的藝術工作者而言，卻不以為然，在創造的領域中，大自然卻是我永遠「原創力」的來源，也是心靈裡永遠的故鄉！我喜歡大地呼喚，心靈的牽動，因此在創造的過程中，游守中鍾情大自然的洗禮與省思。游守中深深地體會到，創作要從「關心」、「研究」、「創造」三個方向來進行──「關心」是生活的起點，解嚴以後思想開放，民主社會瞬息萬變，關心世事啟迪智慧：「研究」應從探索中尋找答案，理解生命，累積經驗，樂在其中求知解惑，理念再造；「創造」是毅力的持續，磨練技巧關心人文，不斷求新積極求變，胸懷赤子放諸四海。投入油彩繪畫，大約有近二十年了。雖然，期間也從事水墨畫的創作和教學，但油彩仍是我最鍾情的創作媒材，油彩的豐厚色彩和堅實的肌理，可說是諸多媒材中，最具表現力的。

陳清海，國立台灣師大美術研究所西畫創作碩士畢業，創作資歷豐富，曾任新莊現代藝術創作協會會長（96-97年），目前為中華民國國際藝術協會會員，新北市現代藝術創作協會會員、中華九鼎藝術家協會監事、新北市雅石會理事。96年油畫個展於國家音樂廳文化藝廊，曾出版「山海情˙人文心」油彩畫集，參加各項聯展三十餘次。「鄉情、花語」是此次個展的主題：其中「鄉情」系列取景主要為本土之自然景觀，與鄉村田野、都會人文風情。

點點星光與群山對話、霓虹閃燈照亮城市中的喧囂與孤寂，乍見藝術家侯飛月的畫，似乎很輕易就能碰觸到你我內心最柔軟的地方，彷若引人走入一個個迷離深邃的夢境之中…。

「雲渡風行」在穎川畫廊清新舒敞的空間裡，將以「起風」、「深海」、「療癒」、「清水」等多個系列作品呈現出一片如海洋與微風般的清涼色系：深藍、淺藍、淡綠、輕墨…在黃楷馨的意象水墨世界中深呼吸，彷彿看到綠色的輕風裹著葉片在空中漫舞，一層層的海平線在眼前展開，海底的浮游生物迎著光竄動飛騰…形象若隱若現而又變幻迷離，沐浴藍天碧海，將會是最舒壓的藝術之旅!時間的軌跡，能經由萬物而顯現，而時間的韻味則在心與世界對應的幽微顯影中，悄然捕捉。雲渡、風行、水流轉，黃楷馨的詩意水墨，訴說的是如風的意念，在水與墨的浸潤中，激起光陰流轉的韻味。欣賞黃楷馨的水墨作品，其線條、墨暈、留白等體現了東方的美學內蘊，線條的迴旋環繞如樂音在耳際迴盪，一折折的波紋呼應著創作時的身體律動，明亮的光在畫面上折射，大面積的留白映現著虛空與妙有。她在紙上舞墨，所到之處，墨韻翩然翻飛；她將線條的表現回歸到最原初也最自然的狀態，自由、靈活、流轉不已。

2007年黃柏勳在高雄壽山上當兵，筆挺的軍便服背後漿燙著三條精神線，皮鞋油亮，每一件軍服還被規定要拿到店裡修改，剪裁合身的腰線。光是這種打扮，就讓部隊裡的阿兵哥在面對其他穿著迷彩大衣，每天在泥巴裡打滾的軍種，有一份優越感。

睽違十三年，林懷民長篇作品「烟」重登台灣舞台。這齣林懷民作品中色彩最強烈，情慾最濃重的舞作，二〇〇二年首演，震懾了來台觀舞的歐洲舞評家，瑞士蘇黎世芭蕾舞團跨海求舞；林懷民同意授權，遠赴蘇黎世把舞教給芭蕾舞者。二〇〇四年，「烟」在蘇黎世歌劇院的演出轟動一時，成為舞團的招牌舞碼，在歐洲熱演多年。今年，雲門重排這齣風格獨特的舞，林懷民說「以前不曾有過，以後不會再有」的異色舞作，將和台灣觀眾見面。

一直以來，謝鴻均的創作總是深深根植於切身的生命經驗與環環相扣的思考辯證，並深入挖掘匍匐於當代歷程的生命課題。她的作品透露女性特有的細心關注與堅韌寬宏，將身兼女兒、妻子、母親、教師、學者和藝術家等多重角色所經歷的掙扎、思辯、追尋與豐美，轉化為鋪陳綿密、蘊含多義性潛質的作品，交織成一知識性的象徵系統。

邵飛是一位極富有感性意識的女畫家，自1980年代以來的風格化創作，就帶有鮮然的詩意特質，一種內斂、溫情、清新，而又帶有一種豪邁放達的氣息，構織起絢爛而美麗的畫面。或者是對一個充滿理想化色彩的時代回應，邵飛的彩墨畫創作中展現出令人驚異的藝術想像力，天馬行空的思維軌跡在描述神話世界和夢境時，駁雜、混沌中是細膩的靈光。細心的欣賞者會發現，邵飛的繪畫作品在怡情悅性中透顯著一襲憂鬱的調子，這是一種對歷史和文化情懷的感傷之維，“夢歸家園”系列正是對這一生命體悟的視覺再現。

話慾，以象徵現代人的慾望、滿足、悲哀、分裂的名牌皮包、箱所創造的物慾流動系統,探討著個體生命在這一系統中如何藉由物慾=文化慾望的滿足,建構起一種扭曲、分裂的自我認同。

「草山風、竹子湖雨、金包里大道」這是一句形容陽明山氣候與人文的臺灣諺語，走上又稱為魚路古道的金包里大道，無論晴天、陰天或雨天，總有不同的迷人風情，尤其是在芒花紛飛的秋季，更是吸引了無數的遊人在此流連。

《島嶼製造—溢遊地景》並不企圖回到鄉愁式的無人荒野，也無意反芻地域性的陳腔濫調，更非直接冠上「台灣製造」的符號化論題，而是更回到原點將「島嶼」的形成視為兼容自然與人為力量的集合體。兩者間的力量是衝突、適應也是模仿，是生成也是破壞，也因此「島嶼」作為一種概念發展可以是蘊含野性活力的聚合體、是建築生成尺度重新被定義的基礎，也是呈顯身體位置的集合體，以此跳脫消費「台灣製造」的假論題，省視並給出論述台灣意義的基礎。

和杉常以寶島的人、事、物做為創作題材，懷抱著對台灣在地土親、人親的情懷，運用「油彩」的質、量、色來表現自己看過和感受到的台灣之美。

生命的起始皆為一種靜止的狀態。「Nihilography」這個由英文與拉丁文兩者所結合的特殊單字，道出生命是連串了「等待與虛無」的總和，生命於靜止中醒來，在時間、空間與記憶的載體間不斷潛行，但也逐次幻化為縹緲虛無，而我們日復一日地追逐著，每一秒當下又化為前一秒的記憶，不斷地追逐著下一個等待，最終生命也於靜止中默然結束，轉為永恆的靜止狀態。