吳綿珍女士畢業於文化大學經濟系，對創作有著一股永不停歇的熱忱，不曾錯過與藝術有關學習的機會，追求突破自我向上成長的天性，獲得進入美國FIDM設計學院的機緣，從此踏進藝術領域，開啟新的人生視野。在美國設計學院求學過程中，秉持對知識求知若渴的精神，培養美學概念、造型結構、色彩運用，奠定日後服裝與皮件包款設計基礎。畢業後進入服裝設計領域，運用對色彩卓越地搭配能力，以及所學的知識與創作技巧，開始在服裝業界嶄露光芒，因而有幸親自參訪義大利「Gucci」公司、法國巴黎「Yves Saint Laurent」(今為Saint Laurent Paris)總部會見聖羅蘭服裝大師，將西方文化引進台灣流行服飾，促使台灣流行掀起一股新穎風潮。

賴九岑習慣利用網際網路進行大量的圖像資料蒐集，再將這些虛擬的「圖像經驗」轉化為個人創作的養分來源。作品的創作過程緩慢而繁複，有如一次次的養成，與其慣用之壓克力顏料速乾的特性恰巧相反。他著意消除繪畫筆觸，使用各種工業性機具進行繪畫，使作品表面如印刷品般光滑無痕。但觀者若細看作品則能發現其中充滿令人驚艷的細微變化。賴九岑刻意將繪畫可致的所有肌理和層次往畫面深層處內藏、堆疊，將顏料媒材之使用引入另一個厚實境界。

面對自然從中學習體會繪畫的元素，往往來的最直接而明確。繪畫的過程從畫室走向戶外，進而啟發色彩與造形的豐富變化與感受。在大自然的變動元素之中，繪畫的思考不再只處於的靜態物體給予的單純體會而已。而是透過大自然瞬息變幻所引導出來抽象思考，往往可以彌補在傳統古典繪畫表現下的靜態思維之不足。

逐漸剝落的記憶在時間的皺摺裡殘留，腦中的風景形成一種魅影似的殘念，心中飄浮的島始終在兩地游移，試圖的在現實中對焦後，徒留一道道的光影，穿梭於法國和台灣之間……，穿梭於現實和虛擬之間……，透過影像的凝視耙梳意念的本質和對時間、空間的探微。

紙與筆 兩種相戶共存的工具，透過陳奕伶與許馨文兩位創作者，改變原本實用功能，轉化為非實用性質的藝術作品，在同一展域，激盪出的溫潤、典雅的文人氣息。『紙與筆』兩種材質的對話，兩者在表現力與精神層面，都具有虛實空間的書寫符號。

一顆擺在眼前的紅蘋果，我們該如何描述它的顏色？是亮紅、粉紅、酒紅、暗紅，還是胭脂紅？身處在充滿色彩的日常生活中，我們往往忽略什麼才是真實的顏色。殊不知在不同的環境、光源，甚至個人對於色彩的感知，都會造成色彩資訊的判讀差異。要得到真實的顏色，必須收起感官的色彩描述，透過專業色彩管理的嚴格標準與精準控制，相關人員也需具備色彩管理知識，才能達到各產業間色彩的共同語言，確實的將色彩管理結合出版品、視覺品、數位化產品或各產業產出商品，讓文化從具有特色的視覺理念，轉換成具有價值與競爭力的文創資源。

生命的旅程，是「光」的旅程，也是「心」的旅程。畢業於陽明醫學院的溫宗益此次以「生命之光」為題展出其油畫創作，希望藉由畫作中描繪大自然的光，找回人類本來所擁有的愛與慈悲。生命的終極在宇宙，而「光」孕育了宇宙萬物，它讓悲傷的世界充滿了希望與溫暖。外在顯現的光，只是人類肉眼的映象，而人類喜怒哀樂的表現，則會隨著光的強弱而起伏不定，這些情緒的表現，都是由人類的「心」所掌控。所以能掌控「心」，就能駕馭「光」。唯有真實了解自我的內心，回歸心的本質，也就是心靈深處的「人性之光」，就可以超越現實與時空，弭平世間的苦難與憂傷。

此次除展出其精選作品之限量藝術微噴外，同時還展出他稍早期的油畫作品。顧何忠是台灣當代寫實油畫創作最傑出的畫家之一，作品題材取自生活中常見的瓜果、器皿等平凡事物，擅以平實的心與敏銳的直覺力觀察生活周遭不停幻化的事物。他透過扎實精湛的古典繪畫技法，企圖在作品裡將人們遺忘的事物再找回來，藉由藝術創作傳達真、善、美的永恆本質，蘊藏著主客合一的創作觀，讓人不斷地想一再咀嚼、欣賞、回味，這便是顧何忠作品耐人尋味之處。

在"大空降"中，黃法誠以跳水時全身緊繃的姿態及入水之後放鬆的行為，來隱喻人們對於台灣不斷發生的土石流問題的態度。當環境受到破壞，人類飽受災難之折磨，但事後卻又採取若無其事的態度。我們是否有徹底的反省及檢討呢？還是過了就忘了呢？黃法誠的畫作局部以水墨山水畫的元素來表現土石流，嘗試學習古代文人透過山水畫來思索與認識人與自然的道理。

陶綱，出生基隆書畫世家，大學及研究所分別畢業於台藝大書畫藝術系及北藝大美術創作研究所水墨組。他是台灣當代水墨創作團體「六條墨」與「漂移社」重要成員之一，多次於國內外展出；同時，他以創新的當代水墨創作，兩度獲得文化部藝術銀行購藏畫作的肯定。「人」是陶綱的靈感主軸：人的情感、互動、在社會裡的處境…等。繼「人造人」的創作系列之後，陶綱逐漸發展出令人驚喜的全新創作風貌，結合人、動物的形象與分隔的山水島嶼等意象，以充滿隱喻的方式呈現對人性的思考。「困獸之鬥-穎川畫廊陶綱個展」便是陶綱最新創作的一次完整展現。

新思惟人文空間長期以來持續關注國內外藝術創作，尤其以台灣創作者之推廣為優先目標，此次策劃「思维的形與色—抽象繪畫主題展」，邀請蘇信義、陳豔淑、利金翰、陳彥名、林文藻五位藝術家同場展出，旨在呈現不同世代、不同思维之下的抽象創作表現。夫妻檔藝術家蘇信義與陳豔淑早在創作初期即投入抽象藝術的範疇，瀏覽他們的創作歷程也能略窺台灣抽象藝術的發展歷程。蘇信義此次展出近期新作「人生風景」系列作品。自鄉土題材到探討高雄的工業文明，縱觀蘇信義的創作議題總帶著喟嘆與反思，直至2012年推出全新個展「時間雕塑」，其中出現了以探索繪畫材料為主角的繪畫作品，不經意地流露出藝術家作畫時，面對創作的真誠與童真。刻意以鉛筆〈或炭筆〉打出的工整方格，如同創作者經年累月在畫布上耕耘的歷程，率性塗抹猶如調色盤上的顏料則持續聲明蘇信義一直以來對物質的探究，讓所有作品中的媒材物質都能呈現其特有的本質。因此觀賞蘇信義的作品除了有色彩帶來的情緒、造形的延伸聯想，更有材料本身或是現成物件透露出來的質地魅力。

這次個展創作的靈感，來自「瞬間來不及眨眼跑進眼裡相遇的光」，以及從都市空間、時間、人類行為及實質自然環境四個向度，觀察在不同生物互動背景下，都市樣貌與自然景觀的「共生」情形。

2015年的尾聲，邁向2016年的開端，青雲畫廊帶來新生代台灣寫實藝術家林浩白個展「花前絮語」，意旨在花的跟前，低聲延綿不斷地自己與自己內心的對話。林浩白給人的第一印象，如其畫一般溫婉的、安穩的、靜謐的氣息；如花一般高雅的、清新的優雅姿態。儘管兩度獲得奇美獎的肯定，今年再獲全國美術展油畫類銀牌獎殊榮，林浩白依舊保持他沉穩的個性及謙遜的談吐。長久以來，將「花」作為創作主題，以寫實觀察與文藝美學作為底蘊，參酌西方現代的技法，將內在情感和外視經驗交織再現，意圖從古典繪畫中走出全新的表現可能。

2011年成軍的台灣藝術創作三人組「Ma Sing Ling 瑪馨玲」，是由新銳藝術家──張心禹（MANIHOO）、王馨薇（Singway）與鄭如玲（Ling Ling）在寶勝畫廊促成下組成。默契絕佳的三人，首次聯手創作的「合氣一相」系列作品氣勢磅礡、一氣呵成，即獲得入選「西英國皇家藝術學院第159屆秋季展」的亮眼佳績，至今已獲美國「前衛藝術第57屆國際公開藝術展」國際組首獎、「英國皇家油畫家協會」第125屆年度評選展、法國巴黎「第2屆國際當代藝術評選展入選等多項國際藝術大賽肯定。

繼去年獲台南新藝獎，持續沉潛累積的黃可維不僅受到藏家追蹤、年中在倫敦藝博會上大受好評，廣受國內外媒體及收藏家高度關注，這次更在台北藝博與文化部合作舉辦的MIT新人推薦中脫穎而出，完售的亮眼佳績，堪稱今年表現最優異新銳!黃可維試圖打破繪畫與觀賞之間的僵局，摧毀單一邏輯思考的屈就性，提供一個與眾不同的觀看經驗。恣意流淌的神秘的氛圍和深沉的內斂，他帶著觀眾進入一個奇異的超現實空間。

本次畫展主題「大航情」，為2013年「新航記」作品展之延伸，持續以「漁船」為創作之題材，用超越漁船表象的形體，轉化為各種事物情思的象徵意符，力求新意、多變與深入，托物擬人，塑造「船之航行」猶如「人生旅程」的理念。

以樹作為繪畫創作主題的思想延伸 即生命是不斷的經過、經過、經過，在生命現場裡所得到的觸動 它們充滿真實的力量他們都是居住在這土地的，也是我共存們生活的風景，而我也成為他們眼中的風景之一。在這個城市裡，即使僅是錯肩而過，我們都是彼此陪伴的。

生命美學，是以生命作為美學品味的範疇、對象與核心。畫家林煒翔從這一點根本，滲透到所有的文明變質僵化，無不透顯對自然，原始性情的眷戀。 他內在的安身立命平時馴服在車馬忙碌生活之中，只有在油畫上風雅雲淡的筆觸才洩露出來歡暢淋漓。隨著年紀漸長，創傷病痛又有幾人能維持這份美質？若能維持也是辛苦修煉，多了人人都曾擁有但也都必然消逝的清華純真，這份可貴難成，那就是本質上的詩人。

李慶美運用淺浮雕的方式，透過多元的思維與認知的方法，連結了平面和空間、個體及個體，讓作品跨越僅僅是二度空間的框架，在半立體的畫面中假造了在桌上的書籍卻漫延至遠方則成了建築與風景，這交錯在遠方視點的消失處，再以另一種文明的建築返回視線前，荒謬而錯置的景物以及各種具象徵意義的擺設、記號或預言。

我們的心中都有一個家
無論我們到何處
離開原先的土地有多遠
那個家的模樣依然清晰
我們心中思念著石板屋
一片片的石板堆疊起部落的情感
孕育著一代一代的生命
我們在此生根在此成長
這不單是個住所
也是靈魂的居所