藝術家徐永旭以拉大作品量體與張力的創作方式，發展為深具個人特色的當代藝術，以生命打造出作品質量的無限之「重」對比觀者眼見的無限之「輕」與「透」，展開作品、空間與觀眾之間劇場式對話的可能性，遠觀與近探都令人們帶來截然不同的感受與震撼。本展展出徐永旭自2011年至今的21組件重量級代表作，並首度發表高近兩層樓的薄層高溫陶巨型作品〈2019-1〉，為觀眾帶來「當代陶」的全新境界。

貼金造境的離垢絕景中，滿載諧擬轉譯後的傳統文化符碼——似戲謔，也似反叛地映對著俗塵繚繞的浮世人間；而混雜於極樂仙境中的現世人跡，隱然透出一種舉重若輕的批判力道。這人工造景的離垢仙境，彷彿姚瑞中點滴人生歷練的迴返印證，也是藝術之於人生的繾綣眷戀——離垢，何須絕塵？

塵三，創作、生活於台北。長年投入東、西方美學與哲學的探索，其創作融合了自然性與精神性的特質，同時有著內心直覺的強烈抒發。創作類別以抽象山水繪畫為主，並涉及人物、荷花題材及現代書藝，兼擅油畫與水墨。意象的空間、靈動的筆觸、具光感的色彩，使他的作品在強烈的精神性之外仍具有生動質樸的韻味。近年已舉辦近十次重要個展。

就在藝術空間於九月份推出謝牧岐全新個展《我欠你的畫》，此展覽以謝牧岐的繪畫隨想出發，多年的繪畫創作經驗累積與疊加，也是藝術家追問自己創作的終極目標是什麼。

雅逸藝術中心於9月7日至10月27日推出「回看與新篇章─2014～2019寫實新銳獎」歷屆得獎者新作展。雅逸自2014年起連年舉辦「雅逸寫實新銳獎」一共四屆，發掘並培植了近二十位藝術新秀。本展集結了歷屆優秀寫實畫家之新作，呈現出寫實油畫的不同風格與活力，也展現了台灣年輕創作者對生活的多元觀察面向和充沛的想像力，使寫實繪畫有更豐富的表現形式。

「散意記」透過平靜生活化的畫語，展現日常之美，連散步所觀都是這般的美好寫意，其主因就在於自我和事物相對應下，藉由淡化視覺觀感的自我設定，跳脫即有的成見，藉由觀念的跳脫，發現未在習慣依附下所呈現最裸真的美。見著林莉酈的畫作常有感應該是熱鬧的場景反倒成了空景，而畫面中的場景不見壯麗場域，只是日常所見的生活空間；這樣的畫面構成反令人發現我們常忽略的美，而且感覺自己將沈浸進入畫中，成為空景內的主角，感受生活簡單中更接近自我的實踐美學。

「這只是一個開始—謝貽娟 (Jo Hsieh) 個展」為采泥藝術為台灣旅英知名抽象藝術家謝貽娟舉辦的創作回顧展。謝貽娟，1967年出生於台灣，1991年前往倫敦求學，1998年獲英國「皇家藝術學院」(Royal College of Art)碩士學位。2002年獲英國「費爾茅斯藝術學院」(Falmouth College of Art)藝術哲學博士學位，後定居英國，2015年回到台灣，直至完成她藝術創作的最後階段，2017年9月逝世於台北。其旅居英國超過20年的歲月中，累積大量的創作手稿與作品進行東西方藝術原理的思辨與探究，並在反覆辯證與實驗的過程中，發展屬於個人的創作體系，最後形成獨樹一格的創作理論—「非空間」。

林鉅2018年開始的系列「九節拂風」源自於近年來他練習的九節佛風，為一種佛教調養生息的運氣法。「佛」與「拂」兩字的錯別，顯現了林鉅的創作一直以來與世界各宗教、神話與哲學脈絡看似絲絲扣連，卻又離經叛道地自闢出的一條路。或許正是林鉅曾說的那份對於這個世界的陌生感，推進著他在生命與創作上緊追眼前疑問。

心性簡樸，思緒專注，廖修平將平凡樸素的符號轉化為深刻高貴的美感。過去半個世紀，他曾經在許多公立美術館舉辦個展，至於這次尊彩藝術中心「樸素高貴：廖修平的藝術歷程」展覽，則是他首次在民間畫廊舉辦個展，深具歷史意義。此一展覽，精選他從1960年代的早期作品直到2019年的最新作品，清晰呈現一位當代大師的藝術歷程。

意識對劉信義而言如同老莊對世界是渾沌的看法一致，混沌是無形的，卻又無所不在。没有對錯之分或二元對立的思維，因此人雖有七情六慾，生命苦短、愛別離等種種苦痛，但若善觀照，亦能是生命的轉機。而陳彥廷則是從夢境中的種種奇思幻象，結合意識、神獸、精靈、植物、動物、昆蟲…等種種自然或非自然的現象與場景，去建構一個現實與夢境交錯或錯置的時空，而這時空或許也是另一個意識世界形成的空間，也說不定呢？就留由觀者去探險、自由想像。

王攀元自傳式的藝術語言，呈現出沉默而淒哀的孤寂美學，藉以標題「寂盡之境」道盡王攀元顛沛流離、至晚年豁達而澹泊的心緒。歷史的傷痕烙印在王攀元的身上，讓鄉愁成為他與台灣近代歷史的共同的鏡像。王攀元將自身生命的缺憾寄託於繪畫中，他讓自己投射於畫中孤獨的動物、人影、孤帆，與屋舍，那孤獨而抑鬱的藝術語言，映照著他人生大半輩子的流離失所、回不去的原鄉，在畫中喃喃吟嘆已碎的思鄉夢。獨特的孤寂美學不只反映著王攀元個人的遭遇，更是那個時代洪流下的顯影。

策展人王焜生以當代藝術家常陵近十年來的作品，作為高美館創作論壇「大玄玄社會—歷史日常：常陵個展」主題，此一系列是常陵2005年由法國國立巴黎高等藝術學院畢業返台後，第二個主要創作母題，運用一種連貫的甚至紀錄式的大視野，對台灣社會與自我逼近觀察。之前，「五花肉」系列作品投入6年時間，長期對人性與現象世界採取直截攻擊，不留情面，這種銳利的心眼與力道，對當代藝術創作者是不可或缺的條件，也持續在2010年之後的「大玄玄社會」系列中呈現出來，同時，也在表現手法上，加入深具個人特質的新意，作品猶如敘事詩劇場，古與今、人與物，各自獨白又串連成一部史詩演劇，透過圖像敘述把握個別情境，最後逐漸組合全劇脈絡與故事情節。

可樂王本次展覽以「幻日之夜」和「神秘異獸」兩個部分所組成，融合了東方思想追求自然的齊物和諧，與獨特個人美學色彩。藝術家透過「敍事」講述生命，遂將故事隱去，並不提供觀者線索。

鄭麗雲形塑一種「形式」、「形體」或「形象」，不論是山與水、花與女人或現成物的轉用，皆由「心」而起，但最終是她的「線」在定義這些存在於「心」的「形體」成為明確屬性的「造形」。鄭麗雲在她近作中，明顯地表露她不再是一位單純的平面藝術的創作者，她不會使用同一種文法和同一種腔調甚同一種語境去傳遞藝術語言所要散發的各種訊息。她正在努力朝著自由運用各類藝術表現的形式，來迎接當代藝術不可能不變的重大挑戰。

雅逸藝術中心推出「穀雨青青—翁明崖油畫創作個展」，呈現藝術家翁明崖於台東池上鄉生活一年間所見之四季更迭的美景。喜歡旅行的翁明崖以自然為創作主題，更因喜愛池上蒼翠的山脈和一望無際的稻田風景，於2016年在池上生活並創作了整整一年。

生活中充滿著各式有形與無形的隔間，這不完全隱秘甚至半開放的區隔關係，營造出「隔而不離」的狀態，讓空間變得曖昧又自在。「山居摺曲」的「褶曲」為曲折變化的地貌，當岩層受水平擠壓而變形，形成永久性波狀彎曲，這樣的皺褶，形成高高低低的山脈，狀似屏風的曲折正為自在安心的理想世界。而「曲」恰為屏風折數的單位，屏風的形制包含插屏（座屏）、折屏（曲屏）、掛屏、圍屏、桌屏（硯屏）…等，充分對應出豐富且多樣的空間變化。

王雅慧個展「時間簡史」，推出藝術家自2005年至2019年所創作的十八件空間雕塑、裝置、錄像與攝影作品，呈現她近十五年來對自然、時間、生命、變化等課題不同維度的思考與想像。在「時間簡史」一展中，王雅慧將當代生活的影像空間視為宇宙一隅，想像自己如同天文學家一般從中觀察和想像，試圖洞悉事物之間隱密的關係。

在本次的展出作品中，鍾江澤交替運用許多不同的技法，表現螢幕表層質感，進而營造出解析度不足的粗糙顆粒與影格轉換時的疊影幻覺。藝術家試著撿拾這些從螢幕中裂解出來、稍縱即逝的碎片，剝離畫面的訊息指涉，再聚合出另一番更為感性的視覺意象。

蘇孟鴻在「香奈兒」系列繪畫的回應中，以香奈兒女士收藏的烏木雕漆屏風為視覺藍本，結合抽象表現主義以及潑墨山水式的自動性技法，將一層層厚質顏料堆疊，後以砂紙打磨令線稿顯影，徒留斑剝線條色團為其美感來源。穿插其間的樣板圖像，取自匯集名家畫稿，堪稱國畫啟蒙經典的《芥子園畫譜》及、中國文學巨著《紅樓夢》及近代四大奇書之一《金瓶梅》內頁圖像插畫。去敘事化的繪畫呈現，令觀者於作品前立時散失觀看焦點—而在虛無與華麗、唯美與媚俗、文人風雅與當代消費等視覺語彙的並置共讀間，開展出更寬廣的指涉可能。

《不要說再見》展出吳昊從1975至2011創作歷程的版畫和各種不同主題的油畫作品22件，同時將展出吳昊生前未完成之油畫作品〈野薑花〉。讓我們再一次回顧吳昊的華麗東方。從50年代在克難中摸索，領悟自我； 60年代，與東方畫會成員們，在傳統中尋找現代；到70年代，反映民間樸趣韻緻的木刻版畫；至80年代，出奇華茲，彩色斑斕的油畫創作。