現代水墨畫家—李重重，將再次於尊彩藝術中心舉辦2017「詩意的宇宙」個展。她的水墨藝術富涵詩情畫意，其內在精神融合東方哲學，以浩瀚無垠的宇宙為師，創造出令人心神嚮往的美好境界。

藝術家傅浩軒首度於尊彩藝術中心舉辦個展「約 約」，本展延續他近年發展的「約定系列」，過去作為背景的壁紙，因為家庭環境的改變，逐漸發展成具備個人圖騰與象徵的意義。新發展出的素描系列與「戶籍調查」等作品，即從以往以自然環境、人之間關係的探討，更往社會空間的向度前進，從象徵層面邁向了現實的空間。

謝貽娟的主要作品可粗略分兩個時期：早期的「自由抽象」與單色畫「藍色時期」。其中「自由抽象」時期，作品一方面帶有「超現實的抽象主義」特徵，另一方面借鑒西方抽象藝術大師，特別是康定斯基一脈對「音樂性」的強調。1997年開始，謝貽娟開始轉向藍色的單色繪畫，以表現無限深邃的時間與空間，她稱之為「非空間」（None-Space）。後期她改用一種稀有的藍色礦物粉末，直接以雙手塗抹於畫布，這是藝術家早期「自由抽象」中書寫性的延續，但她用強調身體性更為親密的創作方式，創造出這個寧靜，虔敬的空間，宛如靈魂深處的凝視。對於謝貽娟來說，藝術作為她經驗到世界的界面。只有藉由她的藝術語言進入她的藝術世界，才能理解到她對時間和空間存在的思考，以及感受她面對信仰與虛無等問題的掙扎。

無界之境，言簡意賅的闡述了朱沅芷與朱禮銀父女彼此皆經歷的，跨文化的生命旅程。朱沅芷作為華人現代繪畫的先驅，在1920年代前往舊金山，將其文化經驗演化為多變的藝術風格活躍於歐美藝壇；而朱禮銀則藉由繪畫將其的生活經驗與中國、日本等多元的文化符碼拼貼、溶解於繪畫表現中。

陶綱的水墨作品以烏托邦世界為發想，希望「小憩」能擺脫現實複雜紛擾的世界。這次作品大致上是由日常生活上所存在的景象與物件為主，畫面上無數大小不一的點、濃淡深淺相異的形成山水樹木，再以墨及礦物顏料結合自然山水與幾何造型，產生一種神祕的超現實畫面。作品以黑灰白無色彩為主調，在一種幽靜氛圍中去塑造一種緩慢的感覺。試圖藉由亮暗關係的處理，產生一種空寂、寧靜的世外桃源，給人一種平和、休憩的安定感受，如同《桃花源記》般，描繪了一個沒有戰亂壓迫，自給自足、人人自得其樂的社會。

日治時期「臺展三少年」之一的郭雪湖先生，是膠彩畫的先鋒，更是臺灣重量級的前輩畫家。郭雪湖的三女兒郭香美（1943-），在家族耳濡目染之下，從小就有良好的繪畫基礎。長年旅居美國的郭香美，此次回臺舉辦畫展，是緣於父親2012年以104歲高壽辭世之後，包括國立歷史博物館館、臺北市立美術館、國立臺灣藝術教育館三個館所聯合舉辦追思活動，當時郭女士遭逢喪父之痛，並有感於對膠彩畫的開創與傳承之使命，乃更勤勉寄情於畫筆中，並以彩筆繪出彩色人生。時隔五年，「躍動的音符—郭香美膠彩畫展」終於水到渠成，展出其精選作品約三十幅。

2016年初，誠品畫廊為大病初癒的顧福生舉辦「自我之歌：顧福生1960-2015作品選集」特展（王嘉驥策劃），作為他超過半個世紀藝術生涯的回顧與巡禮。術後雖有起色，終究難敵病魔，顧福生不幸在今年八月四日逝世於美國庫卡蒙格牧場家中。表達懷念與致敬，誠品畫廊再次安排「美的生命：顧福生（1934-2017）回顧紀念展」（仍由王嘉驥策劃），梳理顧福生自1963年定居美國以來，直到辭世前的最後創作，展出作品接近六十件。

「我們是以什麼身份面對社會（自己）、認同自我（世界）？」這是黃路玉苓一直以來的生命叩問，並試圖透過藝術創作，探索自身與他人和社會之間相互映照依存卻始終朦朧的心理狀態。策展人陳佳暖以法國精神分析學大師雅各．拉岡（Jacques Lacan）的『自我形塑』觀點推敲，切入藝術家發展的鏡像般人像與身份認同問題，以《形碎之間》為名點題：『形』一方面是「自我」理想中的真實樣態，亦是個人在記憶中，對物或人模糊的片段畫面的回溯捕捉；而「碎」是對自我的反覆解構，及回憶在經歷時間之後的碎解。「之間」象徵著創作者自我身分的困惑不定，游移在對外對內的交界空間中，也是一種創作者徘徊在形（重塑）、碎（解構）二元間，如莫比烏斯帶般，無盡迴圈的狀態。

藝術家蔡士弘此次展出系列的作品，在創作的模式上，會先使用塑膠模型拼湊、組裝，用假裝的、無溫度的角色去重新形塑似曾相識的歷史事件，以全景式的客觀角度去”寫生”並且再現我們腦海中想像的打仗的畫面，以及那如霧般的場域。藝術家從歷史事件中，汲取那真實與荒謬的敘事混種，在縫隙中重新考察組裝，並展開成自己的宇宙觀，從更宏觀的位置去尋找當下的對應與衝擊。

本次個展的作品在色彩上的運用、技法層次的變化和意境的營造，在在引人入勝，觸動觀者心境。李宗仁更為聚焦多年來對於自然為題的內容，以寧靜之美為主軸，延伸出森境的人文和心境的獨白。

藝術家胡朝聰睽違三年，再度舉行新作個展「成為一個地方」。地方不單指物質性、可見的場所，而是雜揉了記憶、想像以及認同的所在之處。不論是展現無人空間被觀看的角度、切割現實空間的理性線條與筆法，或是翻轉現存空間為超現實存在的感性筆觸，朝聰不停地迴返意識深處、重新構築畫面，探討著如何使空間成為一個可居的「地方」。

民居建築一直是吳漢宗畫作的重要元素，此次他以多年創作心得，完成了一系列小品。其內容大致可分為表現傳統山水精神的「彩墨山水系列」、「山石雲瀑系列」、「潑墨山水系列」。以寫生為基礎的「踏遍青山」、「澎湖憶舊」、「鄉村回眸」、「夢幻元陽」，及蘇州風景的「江南情懷」。此外側重造境，以分割畫面為表現者名為「城市意象系列」，以山城民居為重點者稱為「民居組曲系列」。

潘鈺近幾年的創作都是與花有關，她選擇了最直接與純粹的描繪「牡丹花」，以精湛的技法描繪花朵的局部或全部，複雜而多變化的輕柔花瓣在她耐心描繪下，細膩的展現生命綻放的過程。

把一種呼吸的日常，於眼下萬化的一切轉入另個天地，
常持著對等走在兩端，肉身化為心物相衡。
無極的探索只因不解，不解何去來。
在圜轉的一切不能得理也難思從屬，綜理著或是或也不是。

家應該是什麼模樣？該是有個能遮風避雨的屋頂呢？或僅是一個溫暖的擁抱就有了雛形。而人也往往只有在自己的根從土裡拔出來的時候，才會談論故鄉。蔡孟閶的作品紀錄了許多台灣正快速老化的城市角落，完整描繪了回憶的輪廓，似乎也如一塊斑駁的牆面正漸漸剝落，這也正是藝術家生命中永遠無法忘懷的風景。

黃柏勳、廖堉安兩位熱愛色彩，以壓克力彩作為主要創作媒材的藝術家，有著強烈的個人風格與辨識度，彼此獨特的創作技法與色彩搭配，在今年秋季，將帶給我們清新且發人深省的視覺對話。

就在藝術空間於十月份推出張嘉穎全新個展「迷你謎」，此次預計將推出十件新作，包含〈賽博格的眼淚〉、〈白雪電幻物語〉以及〈千面英雄〉系列等。

「迷你」有幾種不同的解讀方式，迷作為「迷惑」，讓觀者困在畫面裡面，困在一個封閉而無限迴圈的世界裡。迷作為「某種微觀」，一個畫面裡的主角，在另一個畫面裡只是一個微小而迷你的存在。迷你亦可指射到「創作者和觀眾本身」，在面對一個無止盡的敘事中，創作者（觀者）是何其的迷你。就像是不斷被拆解移植，蒙太奇似的童話劇場，藝術家以一貫的可愛手法去包裝，在面對現實世界的無力感，猶如一個沒有出口的「謎」。

楊三郎，台灣美術開始發展的第一輩藝術家，也是台灣美術史上四大名家之一。生於台北州網溪（今新北市永和區）楊三郎在就讀小學時，往返學校與家的途中會經過一間文具店，店外經常陳列著鹽月桃甫（本名：善吉）的油畫，因此受到影響，從此立志成為畫家。楊三郎在家人反對他習畫的情況下，從那時候開始就幫忙家中菸酒配銷事業所儲蓄的零用錢和壓歲錢等待時機成熟時，計畫到日本留學。1928年自關西美術學院畢業，作品屢次獲選「台展」、日本「楊春展」，回台後與好友陳植棋、陳澄波等研究畫藝。隔年自法國研修，後期作品深受法國印象派畫風的影響，發展出柔和浪漫風情與光影寫實時的個人風格，繪畫以四季山林海水景色主題居多，其次則為靜物、人物，色彩鮮艷多變。

月臨畫廊將於10月14日至11月19日推出《韓湘寧的時空飛躍》個展，此檔邀請到被藝術家葉永青稱為「一部中國當代藝術的活歷史」韓湘寧，展出其從1971年至2017年所描繪的紐約環河景觀、台北街景和中國黃山、60年代青年、雨水、自畫像和台北鳥瞰圖等系列平面畫作，媒材含括壓克力畫作、藝術微噴、紙上墨點、版畫，共計41幅，帶領觀者穿梭於韓湘寧作品所呈現的台北、大理、紐約等三地不同時空脈絡下的地理空間。

此次周宸在穎川畫廊的個展《靜觀自得》，一貫以「書寫」的技法，通過層層覆蓋來不斷豐富畫面的層次與深度，以行草筆觸在油畫布上率意書寫，創造出東方韻味、禪意造境的抽象畫。